01. Lettl Museum Augsburg
02. Ausstellung Gothic Modern – Albertina Wien
03. Ausstellung Lisette Model Retrospektive – Albertina Wien
04. Brigitte Humpelstetter, Kopistin im Kunsthistorischen Museum Wien
05. „Seht wie würdevoll!“ – Spanische Meistergrafik von Goya und Dalí im Schaezlerpalais Augsburg
06. Miguel Chevalier – Wegbereiter der digitalen Kunst in der Kunsthalle München
07. Marta Zaniewska-Bibileishvili – „between the lines“
08. Grafisches Kabinett Augsburg: Ukiyo. Japans fliessende Welt in Farbholzschnitten und Netsuke
09. Honoré Daumier – Spiegel der Gesellschaft in der Albertina Wien
01. Das Neue Lettl Museum mit der Sammlung für Surreale Kunst in Augsburg
1 Wolfgang Lettl: Selbstporträt mit unsympathischen Zeitgenossen 2004
2 Florian Lettl: Manfredonia, la dea del mare 2005
2019 wurde das Neue Lettl Museum mit der Sammlung für Surreale Kunst von Wolfgang Lettl eröffnet. Es befindet sich nicht weit vom Königsplatz in Augsburg und ist für Kunstliebhaber immer einen Besuch wert. Die ausgestellten Werke bieten überraschende Einblicke und regen zum Nachdenken und zum Schweifenlassen der Gedanken an. „Realität“ und Imagination prallen aufeinander.
Die Ausführung der Bilder ist mit viel Liebe zum Detail gemacht – der Betrachter kann sich geradezu in eine eigene, anregende Welt verlieren, die seinesgleichen sucht und nicht einfach unter den Begriff „Surrealismus“ subsumiert werden kann.
Wolfgang Lettl sagt dazu selbst (zu finden unter Der heitere Surrealismus Sonderausstellung im LETTL-Museum 1.12.2024– 16.11.2025 https://museum.lettl.de/ ):
„Surrealismus ist längst passe´.“ Wer das sagt, meint wohl die „klassischen“ Surrealisten, die inzwischen schon alle gestorben sind, oder er hält Surrealismus für eine kurzlebige Mode, wie viele andere auch. Er ist tatsächlich mehrmals Mode geworden, aus oberflächlicher Begeisterung geboren und bald zu öder Langweiligkeit erstarrt. Aber so wie ich ihn verstehe, ist er eine Grundhaltung, die in der Kunstgeschichte immer wieder mächtig durchbrechen und sich erneuern kann. Ob sich das dann jeweils „Surrealismus“ nennt, ist belanglos.“
Wolfgang Lettl wurde 1919 in Augsburg geboren, wo er auch 2008 starb. Er hat über 500 Bilder hinterlassen.
1992 wurde der Wolfgang Lettl-Verein zur Förderung surrealer Kunst e.V. gegründet.
Sehr empfehlenswert ist der folgende sehr informative Link https://www.lettl.de, über den man einen hervorragenden Überblick über das Stichwort „Galerie“ oder „Archiv“ in das malerische Werk von Wolfgang Lettl erhält. Es ist trotzdem noch eine erhebliche Steigerung des Kunstgenusses, im Museum „live“ und direkt vor den entsprechenden Kunstwerken zu stehen und teilweise über einen Audio-Guide interessante Zusatzinformationen – Audiodateien, Videodateien und Texte (Texte von Wolfgang Lettl) „schwarz auf weiß“ – zu bekommen.
Unter der Rubrik „Aktuelles“ findet man übrigens Informationen zu Ausstellungen etc.
Über Wolfgang Lettl findet der Kunstliebhaber jede Menge von Beiträgen und Würdigungen, so dass ich es interessant finde, dem Sohn des Künstlers, Florian Lettl, 1957 in Augsburg geboren, einige Fragen zu stellen, da auch er praktizierender Künstler ist.
War es eine „Herausforderung“ für Sie, angesichts der Bekanntheit und des Erfolgs Ihres Vaters selbst künstlerisch aktiv zu werden?
Ich habe über 30 Jahre zusammen mit meinem Vater künstlerisch gearbeitet, er fragte mich einmal, warum ich nicht auch auf den Bildern mitunterschreiben würde. Meine Antwort war: “ einmal Lettl reiche mir“, als er starb habe ich einfach mit dem weitergemacht, was mir Spaß macht.
Liegt der Schwerpunkt Ihrer künstlerischen Aktivitäten auf dem Gebiet der Skulptur und wenn ja, wie sind Sie zur Bildhauerei gekommen?
Schon in früheren Jahren war ich neben meinem Beruf immer wieder künstlerisch tätig. So entstanden in den 80er Jahren gemeinsam mit meinem Vater ca. 70 Aquatinta Radierungen und ab 1997 diverse Filme. In den letzten Jahren sind vermehrt Skulpturen entstanden.
Ich war schon immer der von uns beiden, der dreidimensional gearbeitet hat. So erinnere ich mich, dass ich bereits als Jugendlicher die leeren Farbtuben meines Vaters gesammelt habe, die damals noch aus Blei waren, sie eingeschmolzen habe, um daraus einen kleinen Pferdekopf im Wachsausschmelzverfahren zu gießen. Den gibt es übrigens heute immer noch.
Zum einen war für meinen Vater das Beglückenste, wenn er malen durfte, zum anderen wollte ich meinem Vater keine Konkurrenz machen.
Beim Finden der Ideen haben wir aber eng zusammengearbeitet.
Auf den Websites
https://www.lettl.de/ausst/plastik.php
https://artsandculture.google.com/story/awUxzA4xy31TNQ
https://artsandculture.google.com/asset/der-kandidat/5gGSEy8F0uSM2A
sind Skulpturen von Ihnen zu sehen. Wer oder was hat Sie inspiriert, gibt es Vorbilder?
Die Ideen für die Skulpturen sind angeregt durch die Bilder meines Vaters.
Welche Rolle spielt der die Skulpturen umgebende Raum?
Im Gegensatz zu einem Bild, das am Rahmen endet, steht eine Skulptur in einem sie umgebenden Raum. Nicht jede Umgebung passt zu jeder Skulptur. Stellen Sie sich nur mal Michelangelos David auf dem Petersplatz vor.
Kann man Ihre Werke stilistisch einordnen?
Die Skulpturen entstehen angeregt durch die surrealen Bilder meines Vaters, daher sind sie wohl dem Surrealismus zuzuordnen.
Wie lange dauert es im Schnitt, bis eine Skulptur oder ein Bild fertiggestellt sind?
Für ein Bild benötigte mein Vater im Durchschnitt einen Monat. An einer Skulptur arbeite ich ca. vier Monate.
Verwenden Sie Skizzenbücher, um Ihre Ideen für eine spätere Umsetzung festzuhalten?
Nein.
Gibt es ein Werk, mit dem Sie sich besonders identifizieren?
Ich wundere mich immer wieder, wie ich die Skulpturen zustande bringe, interessieren tut mich eigentlich aber nur das Nächste, die es noch nicht gibt.
Möchten Sie mit Ihrer Kunst etwas Bestimmtes ausdrücken, gibt es so etwas wie eine“Botschaft“ für den Betrachter?
Mein Vater meinte dazu, wenn er etwas ausdrücken würde, dann sei dies eine Zitrone.
Was möchten Sie noch interessierten Kunstliebhabern mit auf den Weg geben?
Schauen Sie sich die Kunstwerke an, lassen Sie sich nicht von selbsternannten „Kunstschwätzern“ beeinflussen, sondern bilden Sie sich Ihre eigene Meinung.
02. Ausstellung „Gothic Modern – Munch, Beckmann, Kollwitz“ – Albertina Wien 2026
Bild 1: Lucas Cranach d.Ä. – Adam und Eva im Paradies/Sündenfall, 1533
Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie © Foto: bpk/Gemäldegalerie, SMB/Jörp P. Anders zur Verfügung gestelltes Pressefoto der Albertina
Bild 2: Max Beckmann – Adam und Eva, 1917
Staatliche Museen zu Berlin, Neue Nationalgalerie © Foto: bpk/Nationalgalerie, SMB/André van Linn zur Verfügung gestelltes Pressefoto der Albertina
„Gothic Modern – Munch, Beckmann, Kollwitz“ – eine große, eindrucksvolle Ausstellung in der Albertina/Wien, die es in sich hat (noch bis zum 11. Januar 2026).
Wenn man – wie ich zum Beispiel – schon recht weit im Lebensalter fortgeschritten ist, hat eine solche Präsentation von Meisterwerken „vom Symbolismus bis Expressionismus, die durch die emotionale Ausdruckskraft mittelalterlicher Kunst inspririert sind“ regelrecht existenzielle Bedeutung. „Memento Mori“, „Totentanz“, „Carpe diem“ kommt da einem durch den Sinn…Sich des Todes noch einmal verstärkt bewusst werden und im Sinne eines ‚Carpe diem‘ die verbliebene Zeit sinnvoll zu nutzen. Das gilt von der Antike über Mittelalter und Barock bis zum Heute gleichermaßen. Das Thema der Vergänglichkeit (Vanitas) ist gerade in diesen Zeiten – leider – aktueller denn je.
Viele Kunstwerke haben sich deshalb damit beschäftigt bzw. auseinandergesetzt. In der Albertina ist nun eine interessante Kombination von „Moderne“ und Tradition zu bewundern, die nicht nur emotional bewegt, sondern auch und besonders zum Nachdenken anregt.
Ich zitiere aus dem Begleittext der Albertina zur Ausstellung: „Die Moderne wird zumeist als radikaler Neubeginn und als Bruch mit der Tradition verstanden. Überraschend ist hierbei jedoch, dass die Künstler:innen der Moderne durchaus auch auf historische Vorbilder blickten, allerdings auf solche, die vor die akademische Tradition zurückgehen, nämlich auf Werke des Mittelalters beziehungsweise der Gotik. […] Dabei werden Hauptwerke von Künstler:innen der Moderne zwischen 1875 und 1925 versammelt und in direkte Konfrontation mit ikonischen Gemälden, Grafiken und Skulpturen Alter Meister gestellt. […] Moderne Künstler:innen inspirierten sich an einer expressiven Bildsprache einer als roh und unverfälscht wahrgenommenn Kunst. Zunehmend strebten sie danach, Seelenzustände sichtbar zu machen und existenzielle Krisen künstlerisch zu verarbeiten.“ […] Sie fanden „tiefgreifende Gefühle wie Liebe, Leid und Trauer in einer Art vorgeprägt, die ihnen als Anknüpfungspunkt für ihr eigenes Schaffen diente.“
Ein paar Hinweise zu verschiedenen Bildern (siehe Anregungen von KI):
Cranach und Beckmann: Bei Cranach wird die Situation vor dem Sündenfall thematisiert. Eva reicht als Verführerin Adam einen Apfel und hält außerdem noch einen zweiten hinter ihrem Rücken versteckt (!). Der Gesichtsausdruck wirkt nicht sehr bedrückt. Der Hirsch wird wohl als Symbol für Christus verwendet, der bedrohlich wirkende Löwe könnte auf die Feindschaft zwischen Mensch und Tier vorausdeuten. Beckmanns Eva legt mit ihrer Darbietung der Brust gegenüber Adam ein eher schamloses Verhalten an den Tag, ein offensichtlicher Gegensatz zur gelben Lilie als Symbol der Keuschheit und Unschuld, die nun offensichtlich – nach dem Sündenfall – keine Rolle mehr spielen. Die Darstellung wirkt insgesamt viel bedrückender als bei Cranach, was sich auch im Gesichtsausdruck der beiden Personen spiegelt. Der Kontext des Ersten Weltkriegs ist natürlich in diesem Zusammenhang nicht zu vernachlässigen. Beide Werke zeigen wesentliche Situationen der menschlichen Existenz, die Menschen in einer Art Ausnahmesituation darstellen und den Betrachter sicher zum Nachdenken darüber motivieren.
Bei Munch treten existenzielle Erfahrungen von Menschen, Trauer (siehe Vordergrund!), Leid und Schmerz – in dunkler Farbgebung (!) – eindrucksvoll zutage. Und dennoch ist symbolisch über allem – in heller Farbgebung (!) – die Gestalt des gekreuzigten Christus zu sehen, trotz aller Hilflosigkeit ein Symbol der Hoffnung.
Auch bei Kollwitz geht es um eine existenzielle Grundgegebenheit: Die sich windende Mutter mit ihrem Kind im Griff des Todes. Das Kind scheint – wohl vergeblich – den Verlust der Mutter verhindern zu wollen. Die existenzielle Angst des Verlustes kommt sehr emotional, ja, wie es scheint, tragisch zum Ausdruck. Der Betrachter des Werks sieht sich geradezu genötigt einzugreifen – aber letztlich wohl ohne Erfolg. Der Tod ist irgendwann unvermeidlich und stets im Hintergrund Teil des Lebens…
Bild 3: Edvard Munch – Golgotha, 1900
Munchmuseet, Oslo © Foto: Munchmuseet/Ove Kvavik zur Verfügung gestelltes Pressefoto der Albertina
Bild 4: Käthe Kollwitz – Tod und Frau, 1910 (Radierung)
Albertina Wien, zur Verfügung gestelltes Pressefoto
03. Lisette Model Retrospektive – Albertina Wien 2026
Foto 1: lisette-model-lower-east-side-new-york-city-1940-1947-albertina-c-2024-estateoflisettemodel-courtesylebon-pariskeitel-foto20-1
Foto 2: lisette-model-nice-flowered-dress-promenade-des-anglais-1934-1937-albertina-c-2024-estateoflisettemodel-courtesylebon-parisk-1
Foto 3: lisette-model-promenade-des-anglais-1934-albertina-c-2024-nachlass-gerd-sander-1
Foto 4: lisette-model-oper-san-francisco-1949-albertina-c-2024-estateoflisettemodel-courtesylebon-pariskeitel-foto2006_39-1
Foto 5: lisette-model-badende-auf-coney-island-1939-1941-albertina-c-2024-nachlass-gerd-sander-1
Foto 6: lisette-model-ollie-mclaughlin-1956-albertina-c-2024-estateoflisettemodel-courtesylebon-paris-1
Lisette Model
„Die einer Wiener Familie mit jüdischen Wurzeln entstammende Lisette Model (1901-1983) gilt als eine der international einflussreichsten Fotografinnen. Die Ausstellung in der ALBERTINA ist die bisher umfangreichste Präsentation der Künstlerin in Österreich und vereint ihre wichtigsten Werkgruppen zwischen 1933 und 1959.“ […]
„Mit ihren aufsehenerregend direkten Bildern verändert Lisette Model (1901–1983) die Fotografie schlagartig. Ihre unmittelbare, humorvolle, oft konfrontative, manchmal aber auch empathische Form der Wiedergabe revolutioniert die klassische Dokumentarfotografie. In ihren Aufnahmen von Straßenszenen und Porträts verbinden sich sozialer Realismus und emotionaler Ausdruck: „Schieß aus dem Bauch heraus!“ lautet ihr berühmtes Credo.“ [Pressetext der Albertina, S.4-5.]
Eine sehr eindrucksvolle Ausstellung, die da in der Albertina zu bewundern ist. Lisette Model war Mitglied der Photo League in New York, die „eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der sozialdokumentarischen Fotografie in den USA“ [https://de.wikipedia.org/wiki/Lisette Model] spielte – und das ist auch deutlich zu sehen.
Der Bogen ist weit gespannt, von der New Yorker Lower East Side mit der Abbildung von Menschen, die sozial benachteiligt sind, über Fotografien aus der Serie Promenade des Anglais, die, so der begleitende Text in Regards 1935, klassenkämpferisch anmuten [„Die Promenade des Anglais ist ein zoologischer Garten, in dem sich die abscheulichsten Exemplare der Spezies Mensch in weißen Sesseln räkeln. Ihre Gesichter zeugen von Langeweile, Herablassung, impertinenter Dummheit und bisweilen Niedertracht. Diesen Reichen, die ihre Zeit vor allem damit verbringen, sich zu kleiden, zu schmücken, zu maniküren, zu schminken, gelingt es nicht, die Dekadenz und unermessliche Leere bürgerlichen Denkens zu verbergen.“ Pressetext der Albertina, S.6-7] hin zu Einblicken in das pulsierende, emotional aufgeladene Musikleben (Jazz!) der Zeit (ab den 1940er-Jahren).
Manchmal entsteht vielleicht der Eindruck, die Fotografin stellt manche abgebildeten Personen sehr ungeschönt, ja „unvorteilhaft“, fast karikaturesk „zur Schau“. Aber: „Auch dem Vorwurf der sarkastischen Wiedergabe ihre[r-sic!] Modelle widerspricht sie und führt stattdessen eine humanistische Sichtweise ins Treffen, die der Stärke und Persönlichkeit der Dargestellten gilt. Emotionaler Ausdruck und sozialer Realismus sind in den Fotografien untrennbar verbunden: Den expressiven Körpern ist die Last der harten Lebensumstände deutlich eingeschrieben.“ [Pressetext der Albertina, S.8] Was hinter der „Fassade“ zu entdecken ist, psychologische Hintergründe des Alltäglichen, Unsicherheit, Einsamkeit, aber auch Lebensfreude werden unkonventionell zum Ausdruck gebracht.
Fazit: Eine wortwörtlich sehr sehenswerte, in die Tiefe der menschlichen Psyche auch symbolisch eindringende Ausstellung über eine fotografische Künstlerin, die sicher nicht jedem „normalen Hobbyfotografen“ vorher ein Begriff war.
Die Ausstellung kann noch bis 22.2.2026 besucht werden.
04. Brigitte Humpelstetter, Kopistin im Kunsthistorischen Museum Wien 4.12.2025
_pics_320_GG_1016_2018_CD_web1.jpg ©KHM-Museumsverband
Am 4. Dezember 2025 in der Bruegel-Abteilung (Pieter Bruegel der Ältere 1525/30 – 1569) des Kunsthistorischen Museums Wien (Gemäldegalerie Saal X), das zu den größten und bedeutendsten Museen der Welt zählt: Ich sehe Frau Brigitte Humpelstetter, eine bekannte Künstlerin und Kopistin bei der Arbeit an „Kampf zwischen Fasching und Fasten“, ein unglaublich detailreiches Gemälde von Pieter Bruegel dem Älteren. Frau Humpelstetter, eine schon ältere Dame ist mit großer Leidenschaft, sichtbarer Gestaltungsfreude, Konzentration und – vor allem – mit geübtem Auge dabei, jedes auch noch so kleinste Detail auf ihrer Leinwand auszuarbeiten. Einfach faszinierend, was diese Künstlerin, die im Gespräch wiederholt ihren großen Respekt gegenüber dem zu kopierenden Meister zum Ausdruck bringt, hier zustande bringt.
Im Folgenden ein Kurzinterview, das die Künstlerin mir bereitwillig gegeben hat und das, wie ich meine, interessante Einblicke in ihre Arbeit vermittelt.
https://www.museumsfernsehen.de/kopistin-brigitte-humpelstetter-begeistert-sich-fuer-bruegel/
https://www.museumsfernsehen.de/brigitte-humpelstetter-kopistin-mymuseummoment-im-kunsthistorischen-museum-wien/
https://www.khm.at/
https://www.khm.at/digital
05. "Seht wie würdevoll!" - Spanische Meistergrafik von Goya und Dalí im Schaezlerpalais Augsburg
„Auch wenn man sich nicht im geringsten für Kunst interessiert, wenn man nach Spanien kommt, um Apfelsinen einzukaufen oder die Agrarfrage zu studieren, als Börsenjobber oder Agitator – an Goya kann man nicht vorbeigehen: er ist der beste Führer durch das Land.“ (Ilja Ehrenburg, 1932)1
Nicht vorbeigehen ohne ein gewisses Staunen, eine emotionale, innere Beteiligung und inspirierendes Nachdenken über das Geschaute kann man bei der eindrucksvollen Ausstellung im Schaezlerpalais „Seht wie würdevoll!“ – Spanische Meistergrafik von Goya [1746 – 1828] und Dalí. [1904 – 1989].
Dabei handelt es sich um zwei Grafikfolgen (Auswahl als Leihgaben aus Spanien): Die „gesellschaftskritischen Blätter aus Los Caprichos von Goya [zwischen 1793 und 1799 entstanden], „Wegbereiter der Moderne“ und, gedacht als „Hommage“ an Goya, die von Salvador Dalí „surrealistisch“ bearbeiteten, in der Ausstellung sehr gelungen nebeneinander präsentierten und dadurch in Beziehung zueinander gesetzten Blätter, „wobei das Paradoxe und Mehrdeutige von Goyas Los Caprichos ins Surreale gesteigert wurde.“2
Zur Verfügung gestelltes Pressebild: Goya_Capricho_63_miren_que_grabes_c_Fundación Museo de Artes do Gravado á Estampa Dixital.jpg
Goyas Grafik Nr.63, „Miren que grabes!/Seht wie würdevoll“, wird sowohl im Beiheft3 als auch im Katalog zur Ausstellung4 wiedergegeben, deshalb ein paar kurze Bemerkungen dazu.
Goya selbst kommentiert: „Der Druck zeigt, dass diese hier zwei Hexer von Vermögen sind, die ausritten, um sich ein wenig zu Pferd zu bewegen.“5 Hexendarstellungen sind bei dem Künstler nichts Außergewöhnliches, einmal davon abgesehen, dass diese Thematik nicht nur die Zeitgenossen faszinierte, sondern auch im Spanien des 18. Jahrhunderts immer noch in Form von Hexenwahn und Aberglaube eine Rolle spielten, ja sogar noch Ketzer- und Zauberprozesse stattfanden.6
Der Titel bedeutet offensichtlich eine Kritik an falscher Würde und ist somit ironisch gemeint.
Tier-Mensch-Zwitterdämonen stehen für allgemeine menschliche Laster und Schwächen, einen Verlust an Vernunft im Zeitalter der „raison“, der Aufklärung, und können, hier satirisch verstanden, als Repräsentanten von Autoritäten wie Staat und Kirche gesehen werden. Ein Detail ist dabei – psychologisch betrachtet – interessant: Die gefalteten bzw. verschränkten Hände /Krallenpranken. Derart gefaltete Hände (oder Arme) deuten oft auf eine abweisende Haltung hin (wohl als Abgrenzung gegenüber dem „normalen“ Volk, symbolisiert durch Hase und Esel!) oder auch auf eine Geste von Gestalten, die sich sicher fühlen und z.B. getroffene Entscheidungen nicht mehr verhandelbar machen.7
Solche „Seitenhiebe“, die Goya in seinen Blättern immer wieder in grotesker8 Weise zur Anwendung bringt, veranlassen den Betrachter sicher dazu, die gesellschaftlichen Hintergründe zu überdenken. Nicht nur zur Zeit des Karnevals ist hinter „Masken“ tragenden Menschen etwas verborgen, das eben nicht für jedermann sichtbar sein soll. Zumindest der heutige kritische Kunstliebhaber wird sich dabei die eine oder andere Frage stellen und die dargestellte Situation mit der Gegenwart in Verbindung bringen.
Dalí hat nun das linke Monster koloriert und mit einem langen Schweif versehen. Die dem Betrachter zugewandte Körperseite ist zudem mit Flecken übersät, vielleicht um das „Kranke“ an der ganzen Szenerie noch zu betonen (die Farbe Gelb trägt sicherlich auch dazu bei).
Goyas „Ungeheuer“ sind manchmal, wie ich meine, schwer zu „ertragen“. Der Titel des Bildes wurde geändert in „Goya“, vielleicht um eine für Goya „typische“ Darstellung mit der Geißelung der Gesellschaft zum Ausdruck zu bringen.
Dalí hat bei Goya wohl auch „surreale/surrealistische“ Motive und Themen entdeckt bzw. wiedergefunden, die für ihn selbst von großem künstlerischen Interesse waren. In diesem Zusammenhang ist sein Essay La conquête de l’irrationnel“/“Die Eroberung des Irrationalen“ [Paris 1935] mit seiner Vorstellung der „paranoid-kritischen Methode“ für seine „Interpretation“ durchaus erhellend.9
Fazit: Eine wirklich lohnende und erhellende Ausstellung, bei der man/frau genügend Zeit mitbringen sollte, um möglichst viele Querbezüge, Details in der künstlerischen Darstellung bzw. Ausführung der Blätter und manches andere entdecken zu können. Es lohnt sich!
Literarischer Exkurs: Für literarisch Interessierte sei ausdrücklich auf die besondere Beziehung zwischen Goya und Charles Baudelaire (1821 – 1867) aufmerksam gemacht. Baudelaire, selbst Vorläufer der Symbolisten und damit Wegbereiter der europäischen Moderne, sah sich, was „Modernität“ betrifft, Goya, den er bewunderte, verbunden. So scheint es nicht verwunderlich, wenn er ihm in seinen Les Fleurs du Mal (Die Blumen des Bösen (1857) in der siebten Strophe des Gedichts Les Phares (Die Leuchtfeuer) ein Denkmal gesetzt hat.10 Die „Realität“ erscheint bei Baudelaire „als überwiegend hässlich und morbide, der Mensch als hin- und hergerissen zwischen den Mächten des Hellen und Guten („l’idéal“) und denen des Dunklen und Bösen, ja Satans („le spleen“)“11, Letzteres sicher ein deutlicher Bezug zu Goya.
Baudelaire wurde übrigens 1857 in einem Strafprozess wegen „Beleidigung der öffentlichen Moral“ verurteilt. Sechs „wegen obszöner und unmoralischer Passagen“ beanstandete Gedichte waren dafür der Anlass. Sie wurden deshalb in der zweiten Auflage 1861 weggelassen, und ihr Verbot wurde erst 1949 in Frankreich aufgehoben.12 Wer denkt in diesem Zusammenhang nicht gleich an Goyas Furcht vor der Inquisition, was ihn dazu bewog, nur wenige seiner Serien in den Handel kommen zu lassen und dem Königshaus 1803 240 Zyklen zu übergeben.13
Als Abschluss und zum besseren Verständnis möchte ich noch Baudelaires Vierzeiler neben dem Original in meiner eigenen Übertragung anführen:
Charles Baudelaire: LES PHARES
Goya, cauchemar plein de choses inconnues,
De fœtus qu’on fait cuire, au milieu des sabbats,
De vieilles au miroir et d’enfants toutes nues,
Pour tenter les démons ajustant bien leurs bas;
Goya, Alptraum, den unbekannte Dinge füllen,
Föten gebraten beim Hexensabbat,
Alte vorm Spiegel und Mädchen ganz nackt,
die ihre Strümpfe wohl richten, die Dämonen zu locken.
1Jutta Held: Francisco de Goya, Reinbek bei Hamburg 92008, Widmung.
2 Eine Serie besteht aus 80 Blättern, gefertigt in einer Mischung aus Radier- und zur damaligen Zeit neuartigen Aquatinta-Technik. Dalí hat dann mithilfe spezieller Drucktechnik Goya reproduziert und überarbeitet von 1973 bis 1977. [Infos aus dem Beiheft zur Ausstellung]
3 Grafik-Ausschnitt auf dem Front-Cover:„Seht wie würdevoll!“ – Spanische Meistergrafik von Goya und Dalí. Texte: Andreas Tacke.
4 „Goya-Dali. Los Caprichos. Eine Gegenüberstellung.“ Herausgeber und Text: Dr. Benno Lehmann, Mannheim.
5 Ebd., G63.
6 Vgl. Held, S.54.
7 Vgl. https://www.wiwo.de/erfolg/koerpersprache-was-gesten-ueber-sie-verraten/8151968.html (WirtschaftsWoche) und https://praxistipps.focus.de/verschraenkte-haende-so-koennte-man-die-koerpersprache-deuten_184845
8 Interessant in diesem Zusammenhang: Baudelaire:„De l’essence du rire“ (1855) und Wolfgang Kaysers Standardwerk: Das Groteske: Seine Gestaltung in Malerei und Dichtung (1957).
9 Siehe Sarah Hadda: Der Schnitt als Denkfigur im Surrealismus Max Ernst, Man Ray, Luis Buñuel und Salvador Dalí, Dissertation, © 2019 transcript Verlag, Bielefeld. „Dalí schreibt in Die Eroberung des Irrationalen: „Paranoisch-kritische Aktivität: spontane Methode irrationaler Erkenntnis, die auf der kritisch-interpretierenden Assoziation wahnhafter Phänomene beruht.“41 Dieses Phänomen „objektiviert sich erst a posteriori durch Einschalten der Kritik“.42,“ S.224.
10 Baudelaire verweist übrigens in seinen 1868 posthum erschienenen Curiosités esthétiques auf Théophile Gautiers vorbildlichen Beitrag zu Goya, veröffentlicht 1842 in Le Cabinet de l’amateur.
Baudelaire: „À propos de Goya je dois d’abord renvoyer mes lecteurs à l’excellent article que Théophlie Gautier a écrit sur lui…“ Allerdings galt Gautier als Vertreter der „L’art pour l’art“ – Bewegung („Kunst um der Kunst willen“).
11 https://de.wikipedia.org/wiki/Charles_Baudelaire
12 Ebd.
13 Siehe Beiheft zur Ausstellung.
06. Miguel Chevalier - Wegbereiter der digitalen Kunst in der Kunsthalle München (2026)
Wer sich bisher nur mit der – detaillierten – Bearbeitung von Pixeln digitaler Kamerabilder auseinandergesetzt hat, wird erstaunt sein, was auf diesem Gebiet, vor allem auch künstlerisch, noch alles möglich ist. Miguel Chevalier, geboren 1959 in Mexiko-Stadt, der heute in Paris lebt und arbeitet, zeigt auf sehr beeindruckende Weise, zu was ein Computer als sein wichtigstes Medium alles „fähig“ ist – da kann sicher manche für Hobbyfotografen zugängliche Fotobearbeitungssoftware, allein schon künstlerisch, nicht mehr mithalten!
Die angesehene Kunsthalle München, die bereits auf eine lange Reihe von Ausstellungen verweisen kann, präsentiert etwa 120 Werke Chevaliers u.a. mit extra für die Ausstellung neu entstandenen Kreationen. Es ist die „bisher größte Einzelausstellung in Europa“! Dabei kommen neueste Technologien und auch künstliche Intelligenz (KI) zum Einsatz, ebenso wie 3D-Druck und Robotik.
„Zentral ist für ihn [Chevalier] die Interaktion von Künstler und Maschine sowie das Spiel zwischen System und Zufall als stilistische Erweiterung der eigenen künstlerischen Kreativität.“1
Nicht nur „Grundlegendes“ wie Binärsystem, Pixelstrukturen und Algorithmen, auch überraschende Verbindungen bzw. die Beziehung Mensch – Umwelt kommen auf „fassbare“, „raumgreifende“ Weise zum Ausdruck: Körperbewegungen können beispielsweise interaktiv über Installationen erzeugt werden, ganz im Sinne des Künstlers, der damit Kunstbesucherinnen und Kunstbesuchern Gelegenheit gibt, sich selbst in den Schaffensprozess einzubringen.2
Fazit: Skulpturen, Zeichnungen und vor allem die (interaktiven) „überdimensionalen“ Installationen, die laufend neue Bilder produzieren, und das in einem faszinierenden (Pixel-)Farbrausch, lassen Betrachterin und Betrachter mit Staunen durch die empfehlenswerte Ausstellung ziehen.3
1 Zitiert, wie auch im Folgenden, nach dem sehr umfangreichen und informativen Pressetext.
2 Erwachsene und Kinder können sogar „an der Entwicklung von Chevaliers bislang größtem virtuellen Garten, Pixel
Flowers, mitwirken, indem sie ihre eigenen Pflanzen kreieren“, die in einem Gewächshaus in der Ausstellung zu
sehen sind.
3 Die Ausstellung, die schon seit dem 12. September 2025 präsentiert wird, läuft nur noch bis zum 1. März 2026.
Bildnachweis:
1: Porträt Miguel Chevalier
© Miguel Chevalier, Foto: Siam Paragon
2: Miguel Chevalier, Meta-Nature AI, seit 2023, Generative und interaktive Installation, Software: Claude Micheli, Antoine Villeret, Installationsansicht: Jeonnam Museum of Art, Gwangyang (Südkorea), 2024
© Miguel Chevalier, VG Bild-Kunst, Bonn 2025, Foto: Thomas Granovsky
3: Miguel Chevalier, Janus, 2013, Installationsansicht: Grand Palais Immersif, Paris
© Miguel Chevalier, VG Bild-Kunst, Bonn 2025, Foto: Thomas Granovsky
4: Digital by Nature. Die Kunst von Miguel Chevalier, 12.9.2025–1.3.2026, Kunsthalle München
© Miguel Chevalier, VG Bild-Kunst, Bonn 2025, Foto: Stefan Heigl
07. Eine anregende Reise mit Marta Zaniewska-Bibileishvili durch (nicht nur blaue) fantasiereiche künstlerische Welten
Arthur Rimbaud schließt sein berühmtes Sonett „Voyelles“/“Vokale“ mit dem Vokal ‚O‘ ab, den er mit der Farbe Blau assoziiert:
„O, erhabenstes Horn, erfüllt von seltsamem Zischen,/Stille Momente von Welten und Engeln durchzogen:/- O das Omega, bläulicher Strahl ihrer Augen !“1
Der letzte Buchstabe des griechischen Alphabets verweist hier auf Kosmisches, Vollendung, die letzte Stufe einer Entwicklung, ja vielleicht sogar Göttliches…
Blau, die vorherrschende Farbe in den Werken von Marta Zaniewska-Bibileishvili in ihrer zum Nachdenken anregenden, Geist und Imagination inspirierenden, Interesse weckenden und künstlerische Fragen aufwerfenden Ausstellung im Kunsthaus Schwabmünchen ist nicht irgendeine Farbe: „Blau war immer mehr als Farbe. Es war ein Zeichen für das Unsichtbare.“ Und: „Blau ist der Moment, in dem der Gedanke leiser wird und die Seele zu atmen beginnt.“2
In Kombination mit Schwarz und Weiß, die nicht als eigentliche ‚Farben‘ gelten, aber starke Kontraste bewirken, mit Ocker, Wein-Rot und behutsam eingesetzten anderen Farben, zudem verbunden mit gitterartigen Geflechten und biologisch-organisch vielfältigen Formen lassen die sehr vielfältig aufscheinenden blauen Nuancen voll zur Geltung bringen.
Blau hat schon viele Künstler und Künstlerinnen beschäftigt, inspiriert und herausgefordert: Viele und Vieles kommt hier in den Sinn: Der intensive Himmel bei Van Gogh, Picassos „Blaue Periode“, Yves Kleins Ultramarin mit seinem „International Klein Blue“, „Der Blaue Reiter“, Kandinsky, um nur einige Beispiele zu nennen. Ja selbst Goethe hat sich in seiner „[Zur] Farbenlehre“ von 1810 auch ausdrücklich zur Farbe Blau geäußert:
„779. Diese Farbe macht für das Auge eine sonderbare und fast unaussprechliche Wirkung. Sie ist als Farbe eine Energie; allein sie steht auf der negativen Seite und ist in ihrer höchsten Reinheit gleichsam ein reizendes Nichts. Es ist etwas Widersprechendes von Reiz und Ruhe im Anblick.
781. Wie wir einen angenehmen Gegenstand, der vor uns flieht, gern verfolgen, so sehen wir das Blaue gern an, nicht weil es auf uns dringt, sondern weil es uns nach sich zieht.“3
„between the lines“ heißt das Motto der Ausstellung – betrachten, erkunden, sich Gedanken machen, „zwischen den Zeilen“…Die ausgestellten Werke „eröffnen vielschichtige Interpretationsräume, in denen Bedeutung nicht festgelegt, sondern prozessual erfahrbar wird. Sie fordern eine aktive Auseinandersetzung mit dem Wahrgenommenen und dem Nicht-Gesagten – und regen dazu an, im übertragenen Sinne „zwischen den Zeilen“ zu lesen.“4 Bizarr anmutende, verschlungene, pinselartige Formen, bisweilen ’schwebend‘ im Raum, flächig aufgetragene Farben und vieles andere mehr lassen sicher – zuächst – manchen Betrachter/manche Betrachterin vor einem künstlerisch-abstrakten Rätsel vielleicht wirklich etwas ratlos zurück. So kann eine gewisse ‚Distanz‘5 geschaffen werden, die den Betrachter auffordert, sich auf das ‚Bild‘ einzulassen, es emotional-kreativ anzugehen, sich eigene Gedanken dazu zu machen. Dieser Prozess der ‚Auseinandersetzung‘ mit dem vom Künstler/von der Künstlerin geschaffenen Werk ist gerade das Inspirierende, Spannende – eine Freiheit, die man/frau z.B. bei manch figürlichen Darstellungen nicht immer in diesem Maße genießt. Dennoch gibt es bisweilen – versteckte – ‚Anspielungen‘ auf soziale Verhältnisse, die aber nicht endgültig vom Betrachter ‚entschlüsselt‘ werden können, was gerade durch die Nicht-Eindeutigkeit den Reiz der entsprechenden Werke ausmacht. ‚Untertitel‘ wie z.B. „Wer weiß. was wirklich passiert ist“ oder „Ich habe nichts gesehen“ mobilisieren alle Sinne, um vielleicht doch noch den einen oder anderen ‚erhellenden‘ Gedanken, auch assoziativ, aufleuchten zu lassen. Mit neuen Augen kann man/frau sich dann erneut dem Kunstwerk zuwenden und manchem Detail (einen eigenen)Sinn verleihen.
Die sehenswerte Ausstellung ist noch bis zum 5. April zu besuchen.
1 Eigene Übertragung
2 https://erlebnismalerei.com/blogs/news/die-farbe-blau
3 https://www.textlog.de/goethe_farben.html
4 zitiert nach dem Faltblatt des ‚kunstverein schwabmünchen e.V.‘
5 siehe erlebnismalerei.com: „Im Blau liegt die Kunst der Distanz. Es schafft Raum, wo Ruhe
entstehen darf.“
Bilder: „Ich habe nichts gesehen“ und „Wer weiß, was wirklich passiert ist“
Die Künstlerin hat sich auch noch für ein Interview zur Verfügung gestellt und dabei interessante Einblicke in ihr künstlerisches Schaffen vermittelt.
1.Können Sie zunächst ein paar Informationen zu Ihrer bisherigen Künstlerkarriere mitteilen?
Meine Begeisterung für Kunst begann bereits in meiner Kindheit und wurde vor allem durch meine Familie geprägt. Mein Großvater war ein leidenschaftlicher Hobby-Aquarellmaler, und diese Liebe zur Kunst zieht sich durch mehrere Generationen. Ich bin mit Kunst, Literatur, Theater und Musik aufgewachsen, was mich nachhaltig beeinflusst hat.
Vor einigen Jahren haben wir in Polen gemeinsam eine Familienkunstgalerie gegründet, in der aktuell 14 Familienmitglieder ausstellen – das ist für mich etwas ganz Besonderes.
Lange Zeit habe ich eher im privaten Rahmen gearbeitet, also ohne Öffentlichkeit. Erst seit 2023, mit meinen großformatigen Arbeiten und dem Beitritt zum Kunstverein Bobingen, bin ich stärker nach außen getreten. Seitdem hat sich vieles entwickelt: Ich konnte mehrere Einzelausstellungen realisieren, unter anderem im Kunsthaus Schwabmünchen, in der Mohr-Villa in München, im abraxas in Augsburg oder im Kulturzentrum „Hugonowka“ im polnischen Konstancin-Jeziorna.
Seit meinem Debüt im Jahr 2023 habe ich an über zwanzig Ausstellungen teilgenommen, darunter die Große Schwäbische Kunstausstellung in Augsburg, die Große Nordschwäbische Kunstausstellung in Donauwörth, KULT KUNST in Krumbach, die Große Kunstausstellung AK68 in Wasserburg am Inn, die Kunstausstellung in Bayreuth, die Ausstellung „Schwäbische Künstler in Irsee“, die virtuelle Ausstellung „Sine Loco“ des FMDK in München, OJA 2024 in Traunstein sowie Kunstpreisausstellungen in Aichach, Gersthofen, Schwabmünchen und Bobingen.
Besonders freue ich mich darüber, dass meine Werke von der Kunsthalle Augsburg und dem Landratsamt Augsburg angekauft wurden – das ist für mich eine besondere Auszeichnung.
2.Wie kam es zur Ausstellung im Kunstverein Schwabmünchen?
Der Kontakt entstand im Rahmen meiner Teilnahme an der Kunstpreisausstellung „Drahtseilakt“ in Schwabmünchen im Jahr 2024. Aus dem anschließenden Austausch mit dem Kunstverein entwickelte sich die Einladung zu einer Einzelausstellung. Diese bietet mir die Möglichkeit, eine zusammenhängende Werkgruppe zu präsentieren und stellt zugleich einen wichtigen Schritt in meiner künstlerischen Entwicklung dar.
3.Könnten Sie vielleicht ein paar Anregungen zum Verständnis des Titels „between the lines“ geben?
Der Titel „between the lines“ verweist auf das, was sich zwischen den sichtbaren Ebenen abspielt. Im Zentrum stehen Spannungsfelder zwischen Oberfläche und Tiefe sowie zwischen Klarheit und Auflösung – sowohl auf einer greifbaren als auch auf einer emotionalen Ebene. Meine Arbeiten laden dazu ein, das Nicht-Offensichtliche wahrzunehmen und eigene Assoziationen zu entwickeln.
4. Gibt es für Sie eine Art stilistisches Vorbild, oder haben Sie sich von anderen Künstlern inspirieren lassen?
Inspiration finde ich vor allem in Ausstellungen. Ich entdecke in nahezu jeder Stilrichtung interessante Ansätze, sowohl in der klassischen als auch in der zeitgenössischen Kunst. Besonders faszinieren mich Farbkombinationen, Strukturen und feine Nuancen.
Auch das genaue Beobachten spielt für mich eine zentrale Rolle – nicht nur auf handwerklicher, sondern auch auf emotionaler Ebene. Mein familiärer Hintergrund, unter anderem geprägt durch eine Psychologenfamilie, beeinflusst dabei sicherlich meinen Blick auf Menschen und Themen.
5.Wie kommen Sie auf die Idee eines neuen Werks? Haben Sie dabei von Anfang an feste Vorstellungen, wie das Endprodukt aussehen soll?
Ein Werk beginnt häufig ohne festgelegtes Endergebnis, sondern entwickelt sich aus einem Impuls, einer Stimmung oder einer Fragestellung heraus. Der Prozess entfaltet sich schrittweise im Arbeiten selbst.
Ich arbeite in Schichten, baue Strukturen auf und breche sie bewusst wieder auf. Kontrolle und Zufall stehen dabei in einem kontinuierlichen Wechselspiel. In einzelnen Werkreihen, wie beispielsweise meiner Serie „Menschen“, gehe ich hingegen gezielter und konzeptioneller vor.
6. Wann ist für Sie ein Werk gelungen oder – ganz einfach – ‚fertig‘?
Das ist ein sehr intuitiver Moment. Ein Werk ist für mich abgeschlossen, wenn es sich stimmig anfühlt und eine innere Balance erreicht ist. Dabei geht es weniger um Perfektion als um ein Zusammenspiel von Spannung und Ruhe. Dieser Punkt ist schwer planbar und schwer zu beschreiben aber eindeutig spürbar.
7. Bevorzugen Sie bestimmte Farben oder Techniken?
Ich arbeite überwiegend mit Acryl auf Leinwand und Holz. Die Farbe Blau zieht sich wie ein roter Faden durch viele meiner Werke und wird durch eine bewusst reduzierte Farbpalette ergänzt.
Mir ist wichtig, dass Farbe den Inhalt unterstützt, ohne zu dominieren. Meine Arbeiten entstehen in mehreren Schichten und sind geprägt von Kontrasten, Strichen und Konturen, feinen Details sowie zeichnerischen Elementen. Wiederkehrende Motive verstärken dabei die inhaltliche Verbindung.
8. Soll beim Bildbetrachter etwas Bestimmtes ausgelöst werden?
Ich möchte keine eindeutigen Antworten vorgeben, sondern Raum für eigene Interpretationen lassen. Es geht mir weniger darum, dass ein Werk gefällt, als vielmehr darum, dass es etwas auslöst.
Ich finde es spannend zu beobachten, wie unterschiedlich Menschen auf meine Arbeiten reagieren. Im besten Fall hält der Betrachter einen Moment inne und entwickelt eigene Gedanken oder Gefühle.
9. Mit welchen Gedanken schauen Sie in Ihre künstlerische Zukunft?
Ich möchte meine künstlerische Arbeit weiter vertiefen und inhaltlich schärfen. Mein Ziel ist es, an weiteren anspruchsvollen Ausstellungen teilzunehmen und neue Einzelausstellungen zu realisieren.
Zudem interessiert mich zunehmend, gesellschaftliche Themen stärker in meine Arbeit einzubinden. Ein erster Ansatz ist meine fortlaufende Serie „Menschen“, die sich mit Mut, Zivilcourage und zwischenmenschlichen Beziehungen auseinandersetzt.
10. Was möchten Sie noch Kunst-Interessierten mit auf den Weg geben?
Ich möchte dazu ermutigen, Kunst offen und ohne feste Erwartungen zu begegnen. Man muss Kunst nicht zwingend verstehen, um sie zu erleben – oft genügt es, sich intuitiv darauf einzulassen. Auch Kindern sollte früh der Zugang zu Kunst ermöglicht werden.
Für mich persönlich war es wichtig, einen eigenen künstlerischen Weg zu finden und einen Stil zu entwickeln, in dem ich mich sowohl wohlfühle als auch herausgefordert werde. Kunst bedeutet für mich Freiheit.
Man verliert viel von dieser Freiheit und Leidenschaft, wenn man sich zu stark an äußeren Maßstäben orientiert oder den wirtschaftlichen Erfolg in den Mittelpunkt stellt. Kunst entsteht aus einem inneren Bedürfnis heraus – und genau dieses sollte im Zentrum stehen.
Links:
Homepage: www.marta-zaniewska.com
Instagram: https://www.instagram.com/mzaniewskabibileishvili_art/
8. Grafisches Kabinett Augsburg: Ukiyo. Japans fliessende Welt in Farbholzschnitten und Netsuke
Bild 1: Tôshusai Sharaku_Der Schauspieler Otani Oniji als Diener Edobei (C) KMA.jpg
Bild 2: Netsuke, Glücksgott Hannya (C) Felix WeinoldKMA.jpg
All the world’s a stage, /And all the men and women merely players;/They have their exits and their entrances;/And one man in his time plays many parts…
(William Shakespeare: As You Like It)
Eine eindrucksvolle „Bühne“, unter anderem mit charakteristischen Schauspieler/Schausteller-Porträts und Einblicken in das Kabuki-Theater (das bürgerliche Theater, entstanden im 17. Jahrhundert in Kyōto1) im Grafischen Kabinett des Augsburger Schaezlerpalais: Ein Konvolut von Ukiyo-e (übersetzt die „Bilder aus der fließenden Welt“), eine ‚Welt‘ in Farbholzschnitten und eine Kollektion von 26 Netsuke, kunstvoll gearbeitete Gürtel-Anhänger.
Nicht nur Japan-Freunde kommen hier auf ihre Kosten, Kunstliebhaber allgemein, die filigrane, sehr detailliert ausgeführte Stücke lieben, können sich daran erfreuen.
Die bis heute anhaltende Japan-Begeisterung setzte erst mit der Öffnung seiner Häfen auf Druck der USA ab 1853 ein. Die ausgestellten Werke „werfen Schlaglichter auf eine Phase, als Japan nur wenige Kontakte zu europäischen Ländern hatte: die Herrschaft der Familie Tokugawa (1603-1868)“2.
Es gab schon früher eine Japan-Ausstellung 2015 in Augsburg. Anlass dafür war die Schenkung von 26 Netsuke der Familie Weinold, die diese den Kunstsammlungen gestiftet haben. Dadurch wurde man darauf aufmerksam, dass es einen Bestand an Farbholzschnitten gibt, etwa 40 Blätter, 19 Blätter davon von einem bestimmten Holzschnittkünstler, Tōshūsai Sharaku. Diesmal werden für die Ausstellungsbesucher zum besseren Verständnis auf Schildern mehr Infos geliefert. Ein Schwerpunkt liegt dabei hauptsächlich auf Schauspieler-Portraits von Sharaku, weil hervorgehoben werden sollte, dass es diesen besonderen Bestand in Augsburg gibt.3 Leider ist seine Herkunft nicht bekannt, es gibt kein Verzeichnis darüber, wer ihn gestiftet haben könnte.
Auch über den oben erwähnten faszinierenden Künstler Sharaku weiß man sehr wenig. Er war nur 11 Monate tätig, im Zeitraum von 1794 bis Anfang 1795. „Niemand weiß, wer das war, und es gibt unzählige Theorien darüber, ich habe über 50 gezählt“, bemerkt dazu Professor Thomsen.
Jedenfalls war Sharakus Art der Darstellung „ungewöhnlich“. Sharakus Bilder waren (anders als bei Utamaro) „ganz auf die Figuren konzentriert. Die Zeichnung war wesentlich pointierter und zeigte weniger Augenmerk auf Details wie Stoffmuster oder räumliche Hintergründe. Zusätzlich übertrieb er die ohnehin übersteigerte Mimik und Gestik der Kabuki-Schauspieler wie aufgerissene Augen oder gespreizte Finger. Die Portraits erscheinen somit wie Karikaturen. Auch technisch war Sharaku innovativ: Er stellte die Hauptfiguren vor einem Hintergrund aus dunklem Glimmer dar, der auch etwas strukturiert sein konnte. So erscheinen die Silhouetten der Schauspieler sehr plakativ.“4
Bei der Ausstellung handelt es sich nicht nur um Theater- und Schauspieler- bzw. Schaustellerdarstellungen – die Bandbreite ist viel größer als Porträts. Es sind auch noch Landschaften, Bilder aus dem städtischen Kontext, hauptsächlich von Tokio, das damals Edo hieß, zu sehen. In einem Raum wird darüber hinaus ein interessanter Bezug zu Europa hergestellt (zwei Drucke haben sogar einen besonderen Bezug zu Augsburg) mit europäischen Schauspielerportraits, in etwa aus der Sharaku-Zeit (1780er Jahre). Auf den ersten Blick wirkt das fremd auf uns, ist aber gar nicht so viel anders. Zwar kommt eine andere Technik zur Anwendung, aber der Ausdruck ist ähnlich. Es geht immer um die Gestik und Mimik, die ein Schauspieler hat, die er natürlich auf der Bühne zeigt und für die er berühmt ist. Die japanischen Drucke sind beschriftet. Wir wissen also, welche Schauspieler zu sehen sind, wegen der Wappen auf den Ärmeln. In Europa steht es einfach darunter. Auffällig sind die Ähnlichkeiten mit dem bürgerlichen Theater in Europa, zum Beispiel bezüglich bestimmter Rollenbilder wie den Schurken, die tragische Heldin, den Geliebten – die gibt es hier wie dort. Die Besonderheit im Kabuki-Theater ist, dass nur Männer auf der Bühne sind, in Europa war das bunt gemischt. Dabei wurden auch Frauenrollen von Männern übernommen. Bestimmte Schauspieler waren auch spezialisiert auf bestimmte Rollen. Schauspieler, die Frauenrollen und auch andere Rollen übernommen haben, waren aber eher selten. Jedenfalls, was die Bedeutung des Kabuki-Theaters betrifft, kannten alle die großen Schauspieler, es gab richtige „Fan-Clubs“ um sie herum.
Die Technik der Farbholzschnitte ist ein Kapitel für sich. „Linien und Flächen werden aus einer Holzplatte geschnitten und mit Tuschen oder Wasserfarben gedruckt. So entstehen fein geschwungene Linien und Bereiche mit beinahe aquarellartigen Farbverläufen.“5 Die japanische Drucktechnik ist wasserbasiert. In Japan kommt, im Gegensatz zu Europa, Kirschholz zur Anwendung. Europäer verwenden meistens Lindenholz, also nicht ganz so hartes Holz, wohl deshalb, weil sie sich beim Schneiden nicht so plagen wollen. Japaner verwenden das harte Holz, weil damit viel feinere Details zu erreichen sind. Das Holz bricht beim Schneiden von feinen Linien nicht so leicht aus. Dr. Nagler hat mit dem Mehrfarbholzschnitt sogar eigene praktische Erfahrungen gemacht, weil er ein technisches Interesse an der Funktionsweise dieser Drucktechnik hatte. Sie ergibt eine bestimmte Stilistik, eine Reduktion auf Linien, Flächen und Muster.
Zu bewundern ist auch eine Kollektion von 26 filigranen, sehr schmuckvollen Netsuke (kunstvolle Gürtel-Anhänger) von unterschiedlichen Künstlern, eine Sammlung von Horst und Marlies Weinold, die Marlies Weinold 2015 den Kunstsammlungen schenkte. Thematisch gruppiert sind etwa verschiedene Berufsgruppen zu sehen. Die Miniaturen sind ausdrucksstark, bisweilen mit humorvoller ‚Ausstrahlung‘. Die Netsuke waren kleine Anhänger, die man als Gegengewicht für ein Täschchen am Gürtel getragen hat, handschmeichelnde Formen, die gut zu greifen waren und ohne scharfen Ecken gefertigt, um die Gefahr eines Abbrechens zu vermeiden. Sehr vielfältige, ins Detail gehende Formen bieten sich dem Auge des Betrachters: Tierkreiszeichen, Tierdarstellungen, Pflanzendarstellungen, Berufsgruppen (z.B. ein Bauer oder ein Bildhauer), Dämonen, Glücksgötter, alles, was mit Übersinnlichem zu tun hat.
Fazit: Die wirklich sehenswerte Ausstellung ist noch bis 19. Juli 2026 zu bewundern. Es gibt – laut Faltblatt – Turnusführungen und Termine, die einen „Einblick in die Holzschnitt-Technik“ bieten.
1Infotext in der Ausstellung.
2Faltblatt zur Ausstellung.
3Dr.Gregor Nagler, Kurator der Ausstellung, führte mit Professor Hans B. Thomsen, emeritierter Japanologe von der Uni Zürich und Dr.Christof Trepesch, Leitender Direktor der Kunstsammlungen & Museen Augsburg anlässlich eines Presserundgangs sehr informativ, anschaulich und auch für Laien gut nachvollziehbar durch die Ausstellung.
4Infotext in der Ausstellung
5Siehe Faltblatt zur Ausstellung.
Bild 3: Stolzmann; von links: Dr. Christof Trepesch, Professor Dr. Hans B. Thomsen, Dr. Gregor Nagler
9. Honoré Daumier – Spiegel der Gesellschaft in der Albertina Wien (2026)
Der Asteroid 12612 wurde 1999 nach ihm benannt1, der Vorläufer der Symbolisten und Wegbereiter der Moderne, Charles Baudelaire (1821-1867) hat ihm in seinen Fleurs du Mal in den Épigraphes mit „Vers pour le portrait de M. Honoré Daumier“ (1865) ein literarisches Denkmal gesetzt2 – es ist Honoré Daumier (1808-1879), dem die ALBERTINA in Wien eine faszinierende Ausstellung (noch bis 25. Mai 2026 zu sehen) gewidmet hat: „Honoré Daumier – Spiegel der Gesellschaft.“
Es ist ein Zerrspiegel der Karikatur, um gesellschaftlich-moralische Missstände, politischen Machtmissbrauch, Korruption, Heuchelei der Zeit, Spießbürgertum und vieles mehr „mit spitzer Feder und unbestechlichem Humor“3 anzuprangern. Aber nicht nur ‚ätzende‘ Kritik ist bei ihm auszumachen, auch ein tiefes, im Grunde wohlwollendes Verständnis für menschliche Schwächen im Allgemeinen, immer wieder auch mit einem Augenzwinkern zur Darstellung gebracht und dem Bildbetrachter ein Schmunzeln entlockend.
Die Albertina präsentiert „die erste große Daumier-Schau seit 90 Jahren“ […] mit zahlreichen Lithografien, Zeichnungen, Gemälden, Skulpturen und überdies mit einem Animationsfilm zum Werk Daumiers.4 Die Ausstellung ist mit sehr informativen Texten zu den Werken ausgestattet – man/frau kann sich ein umfassendes Bild über den „außergewöhnlichen Erfindungsreichtum und Humor eines Künstlers“ machen, „dessen Schaffen als Spiegel der Gesellschaft von zeitloser Gültigkeit ist.“
Eine Zeit des Umbruchs spiegelt sich in seinen Werken, beispielsweise die Revolutionen von 1830 und 1848 wie auch der Deutsch-Französische Krieg 1870/71. Politik, Justiz, Kultur/Kunst, gesellschaftlicher Alltag im modernen Großstadtleben, die Auseinandersetzung mit beschnittener Meinungs- und Pressefreiheit zeigen die große Vielfalt in Daumiers künstlerischen Welt.5 Das zuletzt genannte Problem bekam er sogar ‚am eigenen Leibe‘ zu spüren. Seit 1831/32 fertigte Daumier Lithografien für die satirischen Zeitschriften La Caricature und Le Charivari. Als Vorlagen für Zeichnungen […] modellierte er eine Vielzahl von kleinen Porträtplastiken.“ 1832 wurde er zu einer Gefängnisstrafe von sechs Monaten verurteilt für „seine überspitzte satirische Bezeichnung des Königs Louis Phiippe als Gargantua – ein unersättlicher Fresser und Säufer (Romanfigur von François Rabelais)“.6
Daumier griff übrigens im Zusammenhang mit Louis Philippe das beliebte Motiv einer Birne wieder auf – das Ende Napoleons im Jahr 1815 [wurde] als abfallende Birne verbildlicht, in deren Blatt das Profil des Regenten eingezeichnet ist.[…] In Anspielung auf seine körperliche Erscheinung wurde die Birne zum Symbol für den Machthaber“ und so wird bei Daumier „eine überdimensionale Birne in die Höhe gezogen und der König damit symbolisch gehängt“7 – wirklich starker ‚Tobak‘ für die damalige Epoche.
Die großen und kleinen Geschichten, die mit großem Einfühlungsvermögen und präziser Beobachtungsgabe dem Betrachter geboten werden und die „aus dem vollen Leben“8 gegriffen sind, bieten ein Panorama einer ‚Comédie humaine‘ [Balzac (1799-1850): Die menschliche Komödie – Romansammlung aus der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts], die immer noch sichtbare Parallelen zur heutigen Welt aufzeigen kann, wenn man/frau sich denn nachdenklich damit auseinandersetzt.
1https://de.wikipedia.org/wiki/Honoré_Daumier 2Baudelaire wurde um eine Inschrift zu einem Portrait des von ihm sehr geschätzten Daumier gebeten. Hier ein Zitatauszug in deutscher Übersetzung (in: Charles Baudelaire – Les Fleurs du Mal/Die Blumen des Bösen, Stuttgart: Reclam 1998, S.345): „Der hier auf diesem Bilde zu erkennen/Hat uns die feinsinnigste Kunst beschert,/Die über uns zu lachen uns gelehrt;/Man muß ihn, Leser, einen Weisen nennen./Satiriker ist er und Spöttergeist;/Daß der mit dieser ungeheuren Kraft/Das Böse malt und dessen Bruderschaft,/Uns seines Herzens Schönheit nur beweist.“ Daumier lebte übrigens von 1846 bis 1863 auf der Île Saint-Louis und wurde dort Nachbar von Baudelaire. 3Pressemitteilung der Albertina, S.4. 4Ebd., S.4. 5Ebd., S.5. 6https://de.wikipedia.org/wiki/Honoré_Daumier 7Pressemitteilung der Albertina, S.6. 8Pressemitteilung der Albertina, S.11.
Bildnachweis (Pressefotos der Albertina): 1.felix_nadar_honore_daumier_1856_1858.jpg 2.honore_daumier_gargantua_1831_staedel_museum-_frankfurt_am_main_eigentum_des_staedelschen_museumsvereins_e_v.jpg 3.honore_daumier_masken_von_1831_staedel_museum.jpg 4.honore_daumier_equilibre_europeen_1867_staedel_museum_frankfurt_am_main_eigentum_des_staedelschen_museums-vereins_e_v.jpg 5.honore_daumier_mme__greluche_oh_gustave_quelle_est_bonne_albertina_wien.jpg